sábado, 30 de abril de 2011

Phantasmagoria: The visions of Lewis Carroll

Phantasmagoria: The visions of Lewis Carroll“es el debut en cine como director de Marilyn Manson (que ya había realizado un cortometraje). La historia inicia en la época Victoriana, cuando el escritor Lewis Carrol, que vive en su castillo comienza a tener visiones de una chica llamada Alicia.  Está Protagonizada por Marilyn Manson, Lily Cole (“El imaginario del Doctor Parnassus”), Evan Rachel Wood y Tilda Swinton (“Quemar después de leer”).

La película ha tenido muchos problemas para encontrar inversionistas debido a que se sale completamente de los convencionalismos del cine actual. Aunque en algunas páginas se dice que el distribuidor es Universal Pictures, lo cierto es que todavía no hay fecha de inicio, y de hecho muchos piensan que posiblemente nunca logre estrenarse incluso la producción se ha detenido de manera indefinida. Se me hace muy difícil que no logre apoyos ya que gracias a que es un proyecto de Manson quien cuenta con un amplio número de seguidores a nivel mundial y que seguramente hará uso de la mejor estrategia de mercado que existe actualmente (la censura) esta película podría significar un gran éxito para cualquier productora.

Muchos dicen que es debido a que el teaser mostrado en 2006 en Berlín es demasiado fuerte, y el que no haya sido apoyada se debe más a cuestiones morales y éticas por parte de los “censuradores” en la industria cinematográfica (es muy raro como la moral y la ética de estas personas se vuelve tan ambivalente que rasga en la hipocresía).

Sea lo que sea, el trailes es completamente confuso, ya que pareciera que se trata de imágenes sueltas cargadas de surrealismo y horror, sin ningún hilo que las una, como si no hubiera existido guion, y como si no tuvieran una historia que contar, me recordó mucho al trabajo de Jodorowsky con quien tenía una proyecto que se llamaría King Shot pero que también se canceló. Aun así es obvio que una producción que venga de Manson por lo menos despierta la curiosidad de muchos.

Se dice que la película estará disponible a través del sitio web oficial de Marilyn Manson a pesar de que también ha declarado que la primera versión de la película será "muy poco convencional”. Pero hasta el día de hoy 30 de Abril del 2011 no hay nada claro.

Aquí está el tráiler, juzguen por ustedes mismos.

viernes, 29 de abril de 2011

Don Gato y su Pandilla en 3D - La Pelicula

Con una producción México-estadunidense el personaje junto con su pandilla y el oficial Matute estrenarán su película el próximo 16 de septiembre.

Don Gato y su Pandilla (Top Cat) la serie animada de Hanna-Barbera que fue un fracaso en Estados Unidos pero que tuvo un gran éxito en México gracias a la adaptación del guion y el excelente doblaje que se realizó en México, cumple 50 años, y para celebrarlo junto con todos los seguidores de esta caricatura de “culto” nos traerán una película animada en 3D hecha por el estudio de animación mexicano Ánima Estudios.

La producción méxico-estadunidense llevará a la gran pantalla las travesuras de Don Gato, Cucho, Panza, Espanto, Benito Bodoque y no podía faltar el sargento Matute que siempre busca detenerlos.

Aquí les dejamos un pequeño avance.

jueves, 28 de abril de 2011

FRINGE

AÑO: 2008 - En Curso
PAÍS: USA
CREADOR: J.J. Abrams, Alex Kurtzman, Roberto Orci
EMISIÓN: FOX
REPARTO: Anna Torv, Joshua Jackson, John Noble

PUNTUACIÓN: 


Por:
Miguel Mora

Toda ciencia es finita ya que nuestro conocimiento tiene límites, por lo tanto, existen millones de eventos que no podemos explicar con los paradigmas que las ciencias exactas manejan, y son todos esos sucesos dificiles de entender los que la división FRINGE intenta esclarecer.

Al leer la descripción anterior, es imposible no recordar la excelete seríe X-Files, sin embargo, al pasar los capítulos, FRINGE va adquiriendo su propia personalidad, haciendo énfasis en lo que hay mas allá de ese borde, tanto ético como moral, que delimita a las ciencias humanas.

Cada episodio se mantienen con casos auto-conclusivos, pero todos ellos dentro de una esquema general mucho mas amplio, donde vamos conociendo la personalidad y motivaciones de cada personaje y nos vamos enredando mas y mas en el entramado de un universo mucho mas complejo de lo que en un principio creiamos.



La seríe ha logrado crear, a lo largo de sus 3 temporadas, una mitología vasta y sólida que sustenta las causas de cada acontecimiento de los cuales somos testigos, asi como también continuar con muchos hilos argumentales abiertos para mantener cautiva a su audiencia.
Facilmente el mejor show de drama con tintes de ciencia ficción que hay actualmente en la televisión.

Never Let Me Go - Nunca me abandones


AÑO: 2010
PAÍS: Reino Unido | USA
DIRECTOR: Mark Romanek
GUIÓN: Alex Garland (Basado en la novela de Kazuo Ishiguro)
FOTOGRAFÍA: Adam Kimmel
REPARTO: Carey Mulligan, Keira Knightley, Andrew Garfield
GÉNERO: Drama | Ciencia Ficción


PUNTUACIÓN:


Una película fascinante, con una excelente dirección de Mark Romanek, quien no realizaba un largometraje desde el 2002 cuando nos trajo Retratos de una obsesión, una película bastante decente protagonizada por Robin Williams. En cuanto a las actuaciones de Carey Mulligan, Keira Knightley y Andrew Garfield (el próximo Spider-Man) son realmente maravillosas.
Never Let Me Go está basado en la novela del escritor Kazuo Ishiguro, no entraré en comparaciones “Libro Vs Película” ya que no he leído el libro, así que solo me concentrare en hablar de la película como si el libro no existiera (¿se puede hacer eso?).

La historia trata sobre tres jóvenes amigos que han crecido en una escuela llamada Hailsham, la que parece ser perfecta. Pero de la cual no se les permite salir, ni tener contacto con el exterior hasta cierta edad. No son jóvenes comunes, hay algo especial en ellos ya que han sido creados por medio de la ciencia,  es por eso que en el lugar donde han crecido, a demás de los conocimientos básicos de cualquier escuela, intentan enseñarles acerca de la humanidad, las sociedades y sobre cómo es la vida al otro lado de las paredes y cercas de Hailsham. De modo que, cuando llegue el momento de salir, puedan adaptarse a la sociedad y así poder afrontar el destino para el que se les ha preparado durante años. Pero aun con las enseñanzas que se les dio en Hailsham, no podrán escapar a los sentimientos más humanos y naturales, como lo son el amor, los celos y la traición que podrían separarlos y que ningún avance científico pudo haber previsto.
Un triangulo amoroso tan bello e inocente, narrado extraordinariamente, con una ambientación cálida y al mismo tiempo deprimente. En definitiva esas son la palabras que describen esta película, una historia bella, con unos personajes dotados de una inocencia envidiable que se contrapone a un sentimiento de tristeza y nostalgia, que nos recuerda el significado de la humanidad y que transcurre de manera tan lenta que cuando menos te lo esperas, ha terminado y te deja en el vacio por un instante con un sentimiento extraño en el pecho, y que te hace pensar, aunque sea por unos segundos, en tu propia humanidad.

Eternal Sunshine of the Spotless Mind

AÑO: 2004
PAÍS: USA
DIRECTOR: Michel Gondry
GUIÓN: Charlie Kaufman
FOTOGRAFÍA: Ellen Kuras
REPARTO: Jim Carey, Kate Winslet, Elijah Wood, Mark Ruffalo, Kristen Dunst

PUNTUACIÓN: 




En ciertos momentos, muy esporadicamente, y bajo ciertas condiciones muy especiales, todos los elementos correctos se alinean formando una amalgama de modestas proporciones pero con repercusiones épicas en ciertas personas.
En este caso estoy hablando de Eternal Sunshine of the Spotless Mind, una obra maestra escrita por Charles (o Charlie para los amigos) Stuart Kaufman y digida por el Francés Michel Gondry.

 Nuestra vida es solo una serie de momentos efímeros, pequeños trozos de imagenes, emociones y sensaciones que quedan grabadas en algún espacio dentro de nosotros, nos van definiendo y sirven como filtro para interpretar a su vez nuevas imagenes, emociones y sensaciones.

Si pudieramos tomar una cadena de recuerdos, agradables o desagradables, y borrarlos por completo, ¿seguiriamos siendo quienes somos ahora?....
A Clementine (Kate Winslet) se le presenta esta opción y decide tomarla, eliminar por completo de su memoria la existencia de su pareja Joel Barish (Jim Carey), y él a su vez, para evitar el sufrimiento de saberse un completo desconocido, decide hacer lo mismo con sus recuerdos de ella, y es en este momento en donde nuestro viaje comienza.

Un viaje que nos lleva por un camino de auto reflexión, brindandonos a nosotros los espectadores la oportunidad de evaluar y valorar cada instante de nuestra existencia, que ante lo inevitable del final se convierten en piezas claves de nuestro ser. 

Esta es una historia de amor, contada de una manera nada ortodoxa, un relato que nos exige unir los puntos y trazar las lineas correctas que poco a poco nos van descubriendo el plano general de donde estamos pisando.
Obliga a detenerse unos segundos y disfrutar de ese pedazo de emocion que se removió y sonreir ante la identificación espontanea con los personajes tan magistralemente retratados.
La química entre Carey y Winslet logra que cada línea de diálogo entre sus personajes se sienta real y podamos empatizar con ellos mientras toda la estructura lógica que un recuerdo pueda tener se cae a pedazos tras ellos.

Esta es una cinta con varios niveles de lectura, puede ser tan densa o tan ligera como nosotros lo deseemos, pero de una cosa estoy seguro, es una película que no desearas olvidar.

Salvando al soldado Pérez


AÑO: 2011
PAÍS: México
DIRECTOR: Beto Gomez
GUIÓN: Beto Gómez, Francisco Payó González
FOTOGRAFÍA: Danny Jacobs
REPARTO: Miguel Rodarte, Jesús Ochoa, Joaquín Cosío, Gerardo Taracena
GÉNERO: Acción | Humor








PUNTUACIÓN:

¡No tan Mala!



Hay que iniciar hablando sobre quiénes hacen esta película, la productora Lemon Films. Quienes ya hemos visto varias películas de esta productora, sabemos que se dedican a realizar copias, homenajes, plagios, o como le quieran llamar, de películas exitosas. Muchos recordaran su primera película, Matando Cabos (claramente copiada, bueno, influenciada de películas como “Lock stock and two smoking barrels” o “Snatch”, ambas del director Guy Ritchie), que a decir verdad les quedó muy bien, pues es bastante entretenida y divertida. Después de eso se vinieron muchas más, como Kilometro 31 influenciada de remakes americanos del cine asiático como El Aro (por lo menos se hubieran influenciado directamente de las originales), La profecía de los justos (El código Da Vinci), Sultanes del Sur (Ocean 11), entre otras, y ahora nos traen Salvando al Soldado Pérez, obvia parodia de Rescatando al Soldado Ryan.

"Lo siento Miguel, aunque me pongas esa cara..."

"Chingao, ahora ¿cómo salvamos esta película?"
Al comenzar a ver esta película sabía de antemano que se trataba de una parodia, así que la vi con la única intención de divertirme, algunos amigos me habían comentado que lo que pretendían los realizadores, era hacer una parodia como las de los hermanos Wayans (Scary Movie) o muchas otras que han salido en Estados Unidos. Si en realidad ese era el objetivo, pues tengo que decir que fallaron. Aun así hay que reconocerles que acaban de entrar en un género nuevo en México, pero uno que no es tan nuevo a nivel internacional ya que Estados Unidos a bombardeado a su público, y de paso a nosotros con su cine propagandista, con el único fin de reclutar y enaltecer a los soldados del ejército americano, ahora parece que México incursiona en el cine de propaganda, pero a diferencia de Hollywood, será para reclutar narcotraficantes. Y es que, aunque los productores, directores, y actores de esta película digan que no es una apología hacia el narco, la verdad es que es más que evidente, a lo largo de la película se ven reflejadas dichas alabanzas hacia la imagen del narco y culmina de manera casi emotiva con un final, que tiene un efecto de glorificación del arraigo y triunfo del narco en esta sociedad.

"J. Cosío dice: No entiendo como acepte esta película"

La película nos la han vendido como un filme de acción y comedia, pues la verdad no se logara ni una ni la otra, la acción es muy poca y aunque tengo entendido que es la película mexicana más cara, al parecer se gastaron la mayoría del dinero en los pasajes y hospedajes de toda la producción así como en la promoción de la película, en lugar de realizar verdaderas escenas de acción o por lo menos un poco mejores de las que hicieron. Por otro lado, se queda muy, pero muy lejos de ser una comedia, ya no digamos una buena comedia, nada que ver con el humor que maneja Luis Estrada en El Infierno, y eso que esa no es una comedia como tal. Los pocos gags cómicos que se logran ver en la película y que sí te llegan a sacar una pequeña risa vienen de parte del personaje que interpreta el gurú Jesús Ochoa (como ya es costumbre), fuera de eso no hay más comedia, hay momentos en que se vuelve aburrida y bastante lenta, va navegando de la acción, al drama, al intento de comedia, a la crítica hacia asuntos bélicos (bastante pobre por cierto) aunque era obvio que esa no era la intención de la película, completamente perdidos en el mar de situaciones y eventos totalmente absurdos, llegando a verse en algunos pequeños momentos ridículo, tanto que me recordaron a las malas películas de acción hindú, por lo menos esas si son cómicas.

Sin duda alguna, esta es la peor película que ha producido Lemon Films hasta ahora. La verdad yo recomendaría que la evitaran pero es mejor que cada quien se haga su propia opinión sobre ella. Para terminar me gustaría hacer una petición, si por aquí llega haber alguien que conozca en persona a Adal Ramones por favor se lo pido, dígale que ya no actué más, no puede seguir actuando como si estuviera en un sketch de Otro Rollo. No sé qué personas tan mal intencionadas que tiene a su alrededor le habrán dicho que sabe actuar, por favor que se ponga a producir y a conducir que eso si le reconozco que sabe hacer bien, pero que ya no actué, que le haga un favor al cine mexicano, hay quienes tienen talento para actuar y quienes no y él pertenece a los últimos.


miércoles, 27 de abril de 2011

Larry Crowne, lo nuevo de Tom Hanks

Tom Hanks vuelve escribir, dirigir y protagonizar una películas después de mucho tiempo. La primera película que dirigió fue la muy decente pelicula de That Thing You Do! de 1996 y que narra la historia de una banda ficticia de rock and roll que tuvo únicamente un éxito musical (one-hit wonder), llamada The Wonders. Ahora lo hace con Larry Crowne, una comedia romantica junto a Julia Roberts.

La historia gira en torno a la vida de Larry Crowne, un hombre que fue despedido de su trabajo.   Sin tener una idea clara sobre qué hacer con todo el tiempo libre, Larry se va a la  universidad local para empezar de nuevo. allí se enamorará de su profesora, Mercedes Tainot (Julia Roberts), a quien ya no le interesa enseñar.


Lost in Translation - Perdidos en Tokio

AÑO: 2003
PAÍS: USA
DIRECCION Y GUIÓN: Sofia Coppola
FOTOGRAFÍA: Lance Acord
REPARTO: Bill Murray, Scarlett Johansson, Giovanni Ribisi
GENERO: Drama, Romance


PUNTUACIÓN:





Por: Miguel Mora


Me encanto esta película, para mi llegó en el momento exacto que tenia que llegar y pude conectarme en muchisimos niveles con ella, y en este momento, mientras escribo, una sonrisa se dibuja en mi rostro al recordarla.

Sentirse un completo extraño dentro de un lugar nuevo es algo incomodo, mas cuando sabes que tienes que mantenerte en dicho espacio, pero en determinadas circunstancias esa situación desagradable la puedes convertir en una oportunidad de experimentar nuevas emociones y actuar de una manera totalmente distinta a la que estas acostumbrado.

Bob Harris (Bill Murray) esta cansado, de su vida, de su relacion con su esposa, de la rutina. 
Su agente lo obliga a tomar un trabajo bastante bien remunerado en la ciudad de Tokio, en donde espera despejar sus pensamientos un poco.
Charlotte (Scarlett Johansson) se encuentra en la misma ciudad durante unos dias, pero acompañando a su marido fotografo.


La soledad y la similitud de emociones que ambos experimentan los hacen descubrirse mutuamente y comenzar una relación un tanto extraña en donde, aprovechando lo extravagante y fuera de lo ordinario que puede llegar a ser Japón, la única constante es deshacerse del tedio y lo pesado que llega a ser sobrevivir luchando contra lo habitual.

La historia fluye a su propio ritmo y desafortunadamente para muchos no es un ritmo acelerado, Coppola se toma su tiempo en mostrarnos momentos de descubrimiento y asimilación de los personajes, en donde podemos, por ejemplo, presenciar la excelente sesión fotografica en donde Murray lucha por comprender y dar gusto a sus clientes.


Excelente cinta para degustarse en momentos de tranqulidad y tal vez de auto reflexión. No muy apta para amantes de la acción o la adrenalina.


martes, 26 de abril de 2011

Dexter

AÑO: 2006 - En curso
PAÍS: USA 
CREADOR: James Manos Jr. (Basado en las novelas de Jeff Lindsay)
EMISION: Showtime
REPARTO: Michael C. Hall, Julie Benz, Jennifer Carperter, David Zayas, Lauren Vélez, James Remar

PUNTUACIÓN: 




Por: Miguel Mora 


La vida es color gris, nada es absolutamente blanco ni completamente negro, ambos colores se mezclan y forman una dualidad en la mayoría de los casos pacífica y funcional, es esta misma ambivalencia la que nos permite cada semana sufrir y compadecernos de un asesino en serie, claro, siempre que este asesino sea Dexter.

 Si, Dexter es un asesino, y es una característica de su personalidad que no puede ocultar por mucho tiempo, un "pasajero oscuro" que vive dentro de él y toma las riendas de sus impulsos siendo capaz de quitar la vida a otro ser humano sin la menor seña de culpa o arrepentimiento. 
Pero entonces, ¿que hace a
Dexter ser funcional dentro del mundo? El entrenamiento que su padre Harry Morgan (James Remar) le dió.
Conociendo la oscuridad que invadia desde el interior a su propio hijo, Harry opto por emseñarle a canalizar esos impulsos de una manera "productiva" y le impuso una serie de reglas, siendo de ellas la mas importante: Jamas asesinar a un inocente.

Al inicio de la serie vemos a un Dexter luchando en silencio por ser parte de la sociedad, actuando los sentimientos que supuestamente debería sentir, siguiendo toda la cadena de convencionalismos que nos convierten en humanos: trabajo, pareja y amigos. Sin embargo, al pasar de las temporadas, somos testigos y complices del cambio que lenta pero inevitablemente Dexter va presentando, y lo hacen cada vez mas humano.

Dexter no esta solo en este camino, cuenta siempre con el apoyo de su hermana Debra (Jennifer Carpenter) y su novia Rita (Julie Benz), ambas sus cimientos que lo mantienen dentro de la cordura.

Actualmente se espera la sexta temporada de esta excelente serie para el otoño de este año, en donde con un nuevo conjunto de reglas todo es nuevo para Dexter.









Thirst (Bakjwi)



AÑO: 2009
PAÍS: Corea del Sur
DIRECTOR: Chan-wook Park
GUIÓN: Park Chan-wook, Seo-Gyeong Jeong
FOTOGRAFÍA: Chung Chung-hoon
REPARTO: Song Kang-ho, Kim Ok-bin, Shin Ha-kyun, Kim Hae-sook
GÉNERO: Drama | Romance | Horror | Vampiros




PUNTUACIÓN:


Thirst (Bakjwi) del director coreano Chan-wook Park (Oldboy) nos intenta contar una historia más, acerca de un romance entre un vampiro y una mortal. Un sacerdote que se está convirtiendo en un vampiro debido a un experimento médico fallido, lucha para no caer en las tentaciones a las que ésta condición lo está orillando, mientras se enamora de la esposa de su amigo, sin saber que está a punto de caer en las garras de algo mucho peor que el convertirse en vampiro, “el amor obsesivo”.

Esta es una de esas películas que al terminar de verla dices, ¿Qué pasó? ¿Cómo terminamos aquí?, no es para nada una mala película de vampiros “enamorados” como lo fue Crepúsculo pero se queda muy lejos de ser tan buena como lo fue Déjame entrar (la versión Sueca). Nos muestra a este personaje atormentado aparentemente por su reciente transformación en vampiro que le hace despertar  muchas emociones, que por su posición de sacerdote había tenido reprimidas, como el sexo, la rabia y el amor, todo esto en un contexto de violencia y tormento emocional. Todo va en aumento después de que va a visitar a un viejo amigo y se enamora de su esposa, estos sentimientos más que vampíricos, yo dirá que son más humanos pero por su postura de sacerdote le impide rendirse ante ellos, van creciendo y atormentándolo cada vez más. Chan-wook Park juega con la violencia, el horror, la comedia, el romance y lo extraño sin lograr que embonen correctamente, momentos que te ríes pero no estás seguro si debiste reír, momentos violentos y desgarradores que te impactan pero que guardan en tu interior una risa tímida. Aun así, tiene algo que hace que te guste, mi experiencia al verla la comparo con la que tuve al ver El Topo de Jodorowsky, esas películas que cuando las  estás viendo por primera vez, algo dentro de ti te dice que la quites, pero otra parte muy en tu interior en las partes más oscuras de ti te dice “tienes que verla”. Y al final termina fascinándote.
"Es una borrachera narrativa... Se pasa de la risa al asco y de la extrañeza a la reflexión... conjunto muy desequilibrado y desquiciado." de E. Rodríguez Marchante del Diario ABC. Dentro de muchas críticas que leí después de ver la película esta me encantó pues siento que refleja a la perfección lo que es esta película.

The Walking Dead - Temporada 1


AÑO: 2010
PAÍS: USA
CREADOR: Frank Darabont (basada en el cómic creado por Robert Kirkman y Tony Moore)
EMISIÓN: AMC (En México pasa por FOX)
REPARTO: Andrew Lincoln, Jon Bernthal, Sarah Wayne Callies, Laurie Holden, Jeffrey DeMunn
GÉNERO: Horror
PUNTUACIÓN:



Desde que vi el tráiler promocional de esta serie me atrapó, estuve ansioso por que iniciara, pues tengo que aceptar que las historias de Zombies son mi “placer culposo” (ya saben eso que te gusta pero que no quieres que nadie se entere), entonces, el saber que iniciaría una serie de Zombies me emociono bastante, sobre todo por el tráiler que fue suficiente para ganarme.

Sinopsis:
Después de despertar de un coma en un hospital abandonado, el oficial de policía Rick Grimes se da cuenta de que el mundo que conocía no existe, devastado por una epidemia zombie de proporciones apocalípticas. En los alrededores, en las afueras de Atlanta, un pequeño campamento lucha por sobrevivir mientras que los no muertos los acechan a cada momento.


El capítulo inicial dirigido por el mismo Frank Darabont (The Green Mile) fue muy bueno, al puro estilo de las buenas historia del género. Conforme fueron pasando los capítulos me fue sorprendiendo de buena manera pues estaba frente a una serie que no solo nos iba a deleitar con Zombies hambrientos y supervivientes disparando balas infinitas en lugares reducidos para acabar con ellos (que debo decir que es el sello y lo que le da el sabor a este tipo de historias), pero no, The Walking Dead o por lo menos la primera temporada, nos muestra superviviente más humanos que a los que nos tienen acostumbrados las películas de este género, centrando la serie en mostrarnos a los personajes, tanto sus relaciones anteriores como las posturas que deben asumir en la situación en la que se les ha puesto, y aunque al igual que muchos fans de los Zombies, me desilusiono al ver que no hubo mucha acción, y que incluso en la mayoría de los capítulos nos mostraron muy pocos Zombies (habra que preguntar como desaparecieron a tantos, tratándose de un apocalipsis Zombie).


A pesar de la poca acción, pocos Zombies y pocas balas, la serie me ha gustado bastante y afortunadamente ha tenido mucho éxito y ya se prepara la 2da temporada que muy probablemente comience en octubre del 2011. Como ya es costumbre no faltan los rumores que siempre surgen ante la espera de nuevas temporadas, uno de los que ha llamado la atención es que al parecer los productores están en platicas con Stephen King para que escriba alguno de los capítulos, si eso es cierto, va a ser muy interesante ver el resultado de esa colaboración, y se ve muy probable que se dé, ya que Darabont ha llevado al cine dos películas basadas en libros del señor King.

Celda 211



AÑO: 2009
PAÍS: España
DIRECTOR: Daniel Monzón Jerez
GUIÓN:
Daniel Monzón, Jorge Guerricaechevarría
FOTOGRAFÍA: Carles Gusi
REPARTO: Alberto Ammann, Luis Tosar, Carlos Bardem
GÉNERO: Drama carcelario / Intriga
PUNTUACIÓN:


Celda 211 nos cuenta la historia de Juan (Ammann) un funcionario que esta por empezar a trabajar en una prisión, y para ello decide ir a conocerla un día antes de iniciar sus labores, pero mientras unos guardias le estas mostrando los diferentes módulos de la prisión, un fragmento del techo cae en su cabeza y queda inconsciente, justo en ese momento estalla un motín, y los guardias deciden dejarlo en la celda 211 mientras van a prestar apoyo para detener el motín pero no lo logran, y es así como Juan queda atrapado en la cárcel. Para salvar su vida y ayudar a detener el motín decide hacerse pasar por un preso más. Ahí conoce a quien encabezada el motín, un preso temible que se hace llamar Malamadre (Luis Tosar).

A primera vista suena como a una película más de cárceles y motines, pero va mucho más allá y nos cuenta una historia de intriga. Con una atmosfera y estética que te encierra, quedando atrapado junto a los presos desde el primer minuto (aparte de Un Profeta, de Jacques Audiard no conozco otra película que lo logre). Podría decir que es una pequeña película con un guion gigante,  estupendamente dirigida por Daniel Monzón y con una brillante interpretación de Luis Tosar. La película perfecta para los amantes del género carcelario, con una historia inteligente y compleja que rasga las venas del thriller, personajes y diálogos perfectamente desarrollados y en evolución constante que se quedan en la conciencia colectiva de todos los espectadores. Para los amantes de las frases, aquí encontraran varias.

No por nada esta película ganó 8 premios Goya. Y nos viene a demostrar que España sigue siendo líder dentro de la industria del cine en español.

lunes, 25 de abril de 2011

Dylan Dog Dead of Night

Por fin este viernes 29 de abril se estrenara en los cines de Estados Unidos la adaptación cinematográfica del director Kevin Munroe del cómic de culto italiano Dylan Dog.

La cinta de horror/comedia (muy parecida al estilo de Hellboy o Shaun of the dead) protagonizada por el ex-Superman Brandon Routh nos cuenta acerca del mundialmente famoso investigador privado quien se especializa en los asuntos de los muertos vivientes Dylan Dog, el cual en esta ocasión deberá encontrar un peligroso artefacto impidiendo de esta manera una inminente guerra entre vampiros, hombres lobo y zombies que viven de manera incógnita en los callejones de la ciudad de Nueva Orleans.


Para esto se encontrara acompañado de su compañero Groucho (Sam Huntington) quien recientemente ha sido transformado en un zombie y aun lucha por adaptarse a este nuevo estilo de "vida".

El ascenso del Dragón: Cine Asiático


Por: Fernando Alarriba

Desde las pasadas olimpiadas de Beijing 2008, llegó  un clamor que llevaba por lo menos cuarenta años gestándose. Movimiento sigiloso, constante y extremadamente sugestivo; con aire de revolución, olía también a rareza, a reliquia. Desde fuertes economías capaces de competir con los mercados mundiales más poderosos, pasando por la exposición, adaptación (y en algunas ocasiones, degeneración) de profundos sistemas médicos, filosóficos y religiosos, hasta el uso y creación de tecnología revolucionaria, el mundo asiático ha ido empapando paulatinamente a occidente. A nivel masivo, más allá de la presentación súbita, explosiva y bañada de euforia surgida del movimiento psicodélico de los años sesentas, la primera muestra completa del mundo oriental llegó a nosotros en manos del que fue el arte por excelencia del siglo pasado: el cine.

El Tigre y el Dragón
Hoy, se habla abiertamente de coproducciones entre Estados Unidos, países europeos y los principales exponentes del cine asiático: China, Japón y Corea del Sur; las cuáles cuentan con míticos actores de Hollywood como Robert De Niro Y Gary Oldman. Así mismo, enormes épicas como Mongol, revelan claramente las dimensiones que esta industria ha logrado alcanzar en cuanto a presupuestos y ganancias. En apariencia, películas como El tigre y el dragón, Ringu, o las cintas de acción de Jackie Chan y Jet Li han sido los parte aguas para que el cine asiático sea relevante en las carteleras de todo el mundo. Nada más lejano a la realidad.

Ni el poder económico, ni los recientes éxitos comerciales nacidos de rimbombantes producciones multinacionales han sido las raíces del ascenso del dragón: obras arriesgadas, marcadas por intensos juegos narrativos, complejas tramas, personajes exuberantes, estéticas siempre propositivas, temáticas que atrapan, perturban, conmueven, divierten y generan profunda reflexión son solo algunos de los elementos que han convertido al cine oriental en algo profundamente influyente y digno de ser considerado como la actual vanguardia del séptimo arte.

Spring, Summer, Fall, Winter... and Spring
Durante los años cincuentas y sesentas, se dio en el cine asiático la exposición de usos, costumbres y tradiciones. La misión era expresar las emociones con enorme intensidad, incluso con exageración; ser fieles a una estética casi sagrada que habla del enorme arraigo cultural de estos pueblos. La intensidad y fuerza en las tramas, productos de su historia nacional marcada por la violencia y constantes guerras; la paz, armonía y respeto que nace de una identidad religiosa en la que el hombre es solo parte dentro un conjunto más grande.

Dos décadas después, viene el desbordamiento a través del deliro, de la imaginación desenfrenada, de monstruos, naves espaciales, actuaciones que rebasan el expresionismo y se vuelven risibles: el cine de ciencia ficción y terror muestran la inmensa creatividad y la temeridad para llevar acabo cualquier idea. Al mismo tiempo, el cine de artes marciales a través de su mística, acción y peligro reinventa el western, pero aquí las ráfagas las desprende el cuerpo.

El Viaje de Chihiro
En apariencia, para finales de los ochenta, la industria oriental está acabada, pero el fenómeno del animé toma todos los elementos anteriores y los lleva a un grado de síntesis y perfección que probablemente los recursos cinematográficos no podrían haber logrado por sí solo en ese momento. Sin embargo, lo que antes fue veneno es transformado en medicina: el patetismo y exageración en las emociones se vuelve elemento imprescindible, la violencia continúa siendo fundamental; y el sexo, que generalmente aparecía como alusión o simple broma, es ahora un elemento de la condición humana que vale la pena exaltar.

Oldboy
De esas raíces, el árbol ha crecido hasta convertirse en algo múltiple, extravagante, seductor y tremendamente influyente; solo basta ver que algunos de los grandes maestros del cine contemporáneo, como Martín Scorsese y en especial Quentin Tarantino hayan partido del trabajo de los maestros orientales para algunas de sus mejores películas. La violencia, el carácter exagerado, subversivo e imaginativo del cine asiático pueden ser su sello más fácil de captar.

Heroe
Pero existe otra faceta, más pausada, reflexiva y poética, que igualmente ha sido parida en el extremo asiático: en ésta, los personajes emprenden viajes de autodescubrimiento que los llevan de bellos pero efímeros momentos de realización, a exploraciones destructivas nacidas del tedio, el vacío, la incomprensión y alienación productos de las sociedades superpobladas, paranoicas y consumistas del extremo oriente. Aquí la narrativa es ciertamente lenta, pero cada elemento captado parece poseer un significado mucho mayor; la intensión, parece ser reencontrar y exaltar los valores más esenciales del hombre, los nexos que lo unen al todo.

Más allá de estas consideraciones, el hecho es que el auge del cine asiático es sin duda un canal importantísimo de diálogo y reconocimiento en el fascinante mundo globalizado que hoy tenemos: es una ventana para conocer y explorar un universo fascinante, complejo; portador de enorme belleza, imaginación, y una profunda y reflexiva visión de los aspectos más esenciales de la condición humana. La mirada oriental bien puede ser la pieza clave del rompecabezas para descifrar la trayectoria del tiempo que vivimos. Sería un riesgo hacer un análisis puntual  de las pocas obras de cine asiático que han llegado hasta mí para describir

Breve filmografía sugerida:

Ishiro Honda: Gojira (godzilla)
Bruce Lee: Operación Dragón (Director Robert Clouse)
Akira Kurosawa: Yojimbo, Rashomon, Ran, Los sueños, Kagemusha.
Takeshi Miike: Ichi the killer, Dead or alive 1 y 2, Audition, Gozu.
Takeshi Kitano: Muñecas.
Kim Ki-Duk: Las estaciones de la vida, La isla, El guardacostas, 3-iron.
Wong Kar-wai: Chungking Express, Deseando amar, Happy Together.
Nigasa Oshima: El imperio de los sentidos, El imperio de la pasión.
Chan-Wook Park: Old boy. Bakjwi
Zhang Yang: El baño.
Pen-ek Ratanaguang: La última vida en el universo.
Shohei Imamura: La balada de Narayama, La anguila.
Hou Hsiao- Hsien: Tiempos de amor, juventud y libertad.
Hayao Miyazaki: El viaje de Chihiro, El increíble castillo Vagabundo, Ponyo en el acantilado
Apichatpong Weerasethakul: El tío Boonmee que se acuerda de sus vidas anteriores

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